Les clés de compréhension de la danse contemporaine

CONTEMPORAIN
Tout ce qui est actuel, moderne et qui appartient à notre époque. En art, cela englobe des formes d’expression créative qui reflètent les idées et les tendances d’aujourd’hui.

ARTS VIVANTS
Formes artistiques qui se déroulent en direct devant un public, comme le théâtre, la danse, la musique, le cirque.

ESTHÉTIQUES
L’ensemble des éléments d’une œuvre qui le caractérise, lui donne sa personnalité spécifique. C’est ce qui nourrit nos perceptions, nos sentiments, nos émotions et notre interprétation de l’œuvre.

DANSE MODERNE
Style de danse explorant le mouvement expressif qui cherche à refléter les émotions et expériences contemporaines. Rejette souvent les mouvements rigides et formels de la danse classique, tout en restant très proche dans le travail corporel et les formes utilisées.

PERFORMANCE
Forme artistique mêlant la théâtralité, le mouvement et d’autres disciplines artistiques, comme la musique, les arts numériques, etc. Les performances sont traditionnellement issues d’espaces hors de la scène : la rue, des lieux publics et des galeries. La performance est souvent la relation particulière entre une discipline physique (danse, théâtre, mime, etc.) et une forme d’art plus statique (comme la scénographie, le design textile, les arts visuels, etc.).

DANSE-THÉÂTRE
La danse-théâtre est née en Allemagne au début du 20e siècle. On la distingue par l’utilisation de processus théâtraux et dramatiques dans l’écriture chorégraphique d’une pièce. On pense surtout à Pina Bausch lorsqu’on aborde cette forme artistique.

DANSE CONCEPTUELLE
La danse conceptuelle met l’accent sur les idées et les concepts plutôt que sur la forme physique. Elle explore souvent des thèmes abstraits ou philosophiques à travers le mouvement.

L’EXPÉRIMENTATION
C’est procéder par essai et erreur, faire de la recherche, prendre des risques ! L’expérimentation favorise le processus pour créer de nouvelles façons de bouger et de s’exprimer. Un peu comme les scientifiques, les artistes font de l’expérimentation.

LA RELATION À LA MUSIQUE
Nous avons tous l’habitude de danser sur le rythme, la mélodie ou les paroles d’une chanson. En danse contemporaine, on élargit cette définition de la musique en s’inspirant d’éléments sonores plus inhabituels, comme les ambiances sonores, les sons et les bruits de la vie quotidienne, la percussion corporelle, les mots parlés et même le silence !

L’IMPROVISATION
C’est la création spontanée de mouvements sans chorégraphie préalable. En d’autres mots, on invente la danse sur le moment, en réaction à la musique, à l’environnement ou aux autres danseur·ses. La danse contemporaine utilise souvent l’improvisation comme outil de création. Les danseur·ses jouent avec des consignes ouvertes qui laissent place à la spontanéité et à l’interprétation individuelle de chacun. Le spectacle peut être différent à chaque fois !

L’INTERDISCIPLINAIRE
La danse contemporaine se mélange souvent à différentes disciplines, comme le théâtre, la musique, le cirque, la photo, la vidéo, la technologie et l’art visuel. La rencontre entre ces disciplines multiplie les possibles et crée des œuvres riches.

L’ABSTRACTION
En danse, on retrouve rarement des narrations linéaires. À la place, les artistes utilisent des formes d’abstraction, c’est-à-dire la simplification ou transformation de la réalité par l’art. Ceci crée des représentations qui ne cherchent pas à reproduire fidèlement des objets ou des scènes mais qui crée des tableaux et des images qui ont des interprétations multiples. Le sens est créé par le spectateur·rice. Il n’y a donc pas de mauvaise interprétation !

LA COLLABORATION
La création d’une œuvre artistique ne se fait pas seule. À travers le processus de création, les chorégraphes et les interprètes collaborent avec des répétiteur·rices, dramaturges, conseiller·ères artistiques, éclairagistes, costumier·ères, concepteur·rices de son et encore plus ! Cette réalité remet en question la notion romantique du génie artistique solitaire pour mettre en valeur une approche plus inclusive et coopérative de la création artistique.

LA DÉCONSTRUCTION DES NORMES
C’est de remettre en question les règles établies et les façons de faire traditionnelles. En gros, les artistes se permettent de dessiner en dehors des lignes. Ils et elles testent les limites de leur discipline pour remettre en questions les codes de la danse, mais aussi les normes sociales, culturelles, d’identité et de genre, utilisant l’imagination pour créer de nouveaux possibles.

1. Les premières influences de la danse contemporaine apparaissent au début du 20e siècle avec les chorégraphes pionnières de danse moderne telles que Isadora Duncan, Loïe Fuller et Martha Graham. Ces artistes troquent les pointes pour des pieds nus et rejettent la rigidité de la danse classique pour imaginer une danse plus libre, qui explore l’émotion.
2. Dans les années 1940 et 1950, une nouvelle vague d’artistes poursuit dans cette lancée, dont Alvin Ailey, chorégraphe visionnaire qui explore l’expressivité émotionnelle en apportant des éléments de sa culture afro-américaine. D’autres chorégraphes vont prendre une direction différente, en explorant une approche de la danse conceptuelle et abstraite, comme ce fut le cas de Maurice Béjart et Merce Cunningham. Ce dernier, en collaborant avec des pionniers de la musique concrète (John Cage) ou du pop art (Andy Warhol), reflète cette approche du mouvement en dialogue avec les autres arts de l’époque.
3. Dans les années 1960 et 1970 des artistes tels que Trisha Brown, Yvonne Rainer et Steve Paxton forment un groupe qui s’appelle la Judson Church. Ensemble, ils et elles remettent en question les notions du spectacle, privilégiant des mouvements minimalistes et performatifs, et laissant beaucoup de place à des mouvements simples du quotidien comme marcher, courir, sauter, tourner, parler… L’improvisation et la collaboration interdisciplinaire sont des éléments importants pour ces artistes afin de laisser la place à la spontanéité, au jeu et à la performance.
4. Depuis les années 1980, la danse contemporaine est marquée par des artistes qui investissent leurs bagages culturels personnels et qui sont reconnus pour leurs approches interdisciplinaires.

Plusieurs artistes explorent le croisement entre différentes disciplines des arts vivants. Par exemple, Pina Bausch, chorégraphe allemande, est reconnue comme la fondatrice de la danse-théâtre, qui unit la chorégraphie, la mise en scène, le texte, le geste dansé et la théâtralité pour créer des œuvres qui existent entre ces deux univers.

D’autres explorent la rencontre entre des styles de danse. Par exemple, la compagnie RUBBERBAND crée des œuvres qui empruntent des mouvements et codes du street dance, du ballet et de la danse contemporaine, créant ainsi une nouvelle esthétique.

Plus récemment, certains artistes innovent en danse contemporaine en créant des œuvres mettant en lumière des éléments de leur identité culturelle. Par exemple, Akram Khan, danseur et chorégraphe britannique d’origine bangladaise, est connu pour son mélange de danse contemporaine occidentale et de kathak, une forme de danse classique indienne.

La danse contemporaine continue de se transformer, repoussant les limites de la créativité et de l’expression corporelles jusqu’à aujourd’hui.

LIGNE DU TEMPS

• 1900-1930 Les débuts de la danse moderne : liberté et émotion Isadora Duncan, Loïe Fuller, Martha Graham
• 1940-1950 Les premiers pas vers la danse contemporaine : abstraction et art conceptuel Alvin Ailey, Merce Cunningham (John Cage et Andy Warhol), Maurice Béjart
• 1960-1980 L’expérimentation et l’avant-garde : performance et gestes quotidiens Judson Church (Trisha Brown, Yvonne Rainer, Steve Paxton)
• 1980-aujourd’hui La danse contemporaine se diversifie : rencontres interdisciplinaires Pina Bausch, RUBBERBAND, Akram Khan

EN PARALLÈLE, AU QUÉBEC

1940-1950 Françoise Sullivan est pionnière du mouvement automatiste (forme d’expression spontanée) et de la danse contemporaine sur la scène artistique québécoise. Elle influence profondément les arts visuels et est signataire du Refus Global, un manifeste remettant en question les normes sociales et artistiques de l’époque.

1960-1970 Le Groupe de la Place Royale, fondé en 1966 par Jeanne Renaud et Françoise Riopelle, était un collectif artistique multidisciplinaire basé à Montréal. Pionnier de la danse contemporaine au Canada, le groupe a fusionné les arts visuels, la musique et la danse pour créer des performances novatrices et expérimentales.

1970-1980 Les compagnies O Vertigo, Marie Chouinard, Jean-Pierre Perreault, La La La Human Steps (Édouard Lock) et Margie Gillis sont fondées et marquent la danse contemporaine au Québec.